谈水彩画与水墨画的共性

龙凤

    谈水彩画与水墨画的共性，惊艳的人物水彩画欣赏，纯美的像张白纸                                         2018-05-08 20:40
                                                   

水彩画，顾名思义就是用水调和透明性颜料来作画。作为“水彩画之父”的保罗桑德比（Paul Sandby， 1725-1809年）在不断的研究水彩画中得到了颜料制作与绘画方法，使得水彩画有了更深层次的发展。直到18世纪中叶，英国工业革命开始，产生了一批具有新思想的艺术家，他们否决了冷静处理的绘画风格，强调要把生活中的情感调味到绘画作品中。

怀古主义的画家对于自然并没有过多的情感描写，对于他们来说自然只是一个背景陪衬。由此出现了一批抒情主义的艺术家。他们把感觉和感情都融入到绘画中，借景抒情，达到寓情于景的境界，把色彩效果发挥到了极致，将色彩的世界发展到了推翻形象世界的高度。那一时期，最有影响的代表画家是托马斯・格尔丁。

他把当时的地形画、考古记录画和风景画融为一体，并运用强烈的色彩对比来打破长期以来地形画的框架。他热爱自然，并爱寻找自然中的诗情画意。和格尔丁同一时期的透纳也喜爱观察自然，甚至能记录自然。他的画能给人一种明媚的朦胧感，透过朦胧又能看到藏在里面的物象。直到晚年，他的作品几乎只有斑斓绚丽的颜色，完全退入到他自己的艺术世界里。还有约翰・罗伯特・科曾斯、门罗、约翰・康斯特布尔等人，他们推动着水彩画走向了最辉煌的时期。

随着水彩画的繁荣与发展，其作为“舶来”画种被引入到中国。水彩画与中国传统绘画很相似，无论在是绘画工具，还是在作画风格或是绘画媒介上，都很容易被中国人接受。而我国在传统水墨的绘画与研究上有着很深的造诣。国之圣人的思想对于中国绘画起着重要的作用和意义。《老子》中提到“道法自然”，讲述人与人、人与自然、人与宇宙之间的关系。

中国绘画所表现出的是一种“深沉静默地与这无限的自然，无限的太空浑然融合，体合为一”的精神。这是一种“静”的精神境界，强调的是顺应自然法则，动中有静，强调人的精神境界与自然精神的结合。老子、庄子提出的“道”是“自然”，也是“虚无”。世间万物皆从虚中来，也自会回到虚中去。谢赫在《画品》中提出的“六法论”，其中就说到了“气韵生动”，即指大到穹宇山川，小至蛇虫鼠蚁的生命的“动”。

而画家在画面中表现出的是一种深层次的静寂，把山川树林、花鸟鱼虫抛落在宇宙间，意境悠远深邃。中国写实最具有代表性的就是宋元时期的绘画作品。那是心灵与自然的完美结合，在有限的尺幅中表现出无限的精神世界。自然的境界就是艺术境界。宋朝有三家，即关仝、李成和范宽。其中，李成是宋朝时期最知名的山水画画家，他善于琴书且能诗作画，开创了“平远寒林”画体，笔法简练且运笔锋利，喜爱淡墨且用墨精微，有“惜墨如金”之誉。他把思想注入给了本无思想的树木山石，并被夸张地表现出来，多有荒寒之感。

自水彩画传入中国后，就不断地被中国的艺术家研究探索，且融入了中国式的思维与情感，创造出了中国的水彩画风格，把西方的明暗、透视、解剖与中国的皴擦、渲染、勾勒相结合，绘出具有中国民族风情的绘画物象，把水彩颜料的透明性与水墨画的运笔笔法相结合，赋予水彩画新的生命。水彩画用笔工具与中国水墨画的毛笔极为相似，甚至可以直接将中国画中的运笔方式运用到水彩画中，或可以在水彩画中运用渲染、淡彩、笼罩、留白等方法。可以用传统的运笔来掌控水分的多少，或湿染、或干擦、或拼接，这就与中国水墨画的用墨方法很相像，用于控制墨中水分的多少，用干墨、或湿墨、或淡墨临画写实的物象，画面不失气韵的表达。

不同国家、不同时期、不同风格的画家都致力于观察大自然，并把情感融汇到绘画中，这就产生了画面上的情感解读，即在意境上的融合，把空、灵、淡、雅用外显的物象表达出来，这是一种能解读、能看到的精神境界。它可以感染、影响观者的情绪，而东、西方的意境是有区别的，用现代美学家、哲学家宗白华的话概括即：“东西方画法所表现的境界层次完全不同，一为写实的，一为虚灵的；一为物我对立的，一为物我浑融的。”

水彩画与水墨画的融合与发展是一条曲折却又充满无限惊喜的道路，需要无数艺术家的辛勤探索与研究。这不仅是存在于画面上的物象世界和画面外的可解读或不可读的精神世界的融合，更是中国文化精神与世界的融合。

在“民族的就是世界的”现代社会，对水彩画更好的研究与运用，是每个水彩画家、艺术家不可推卸的责任。水彩画的民族化不是一句口号，这需要每一位画家的不懈努力。同时，水墨画也能给在水彩画创作方面失去方向的画家一些灵感启迪，其可以通过水墨的语言与表达找到创作水彩画的新方向，为画家带来更强大的创作动力。