无素描，不绘画！满分素描技法解析！

龙凤

无素描，不绘画！满分素描技法解析！               2023-05-08 12:53                                       

                                       

“近精微致广大。

——徐悲鸿

徐悲鸿被尊称为中国现代美术教育的奠基者，

1949年后任中央美术学院院长，

立足中国现代写实主义美术。

是伟大的艺术家，也是卓越的美术教育者。

任中央大学艺术系教授兼主任期间，

他提倡以素描写生作绘画的基础训练，

重点培养学生的审美观和创造力。

素描的发展进程

文艺复兴时期：

16世纪初，在以达·芬奇和拉斐尔等艺术家的风格为流行的意大利，高登齐奥在瓦拉洛塞西亚的圣玛丽亚感恩教堂的壁画中描绘了基督的生平。随后，在瓦拉洛圣山雕刻真人大小的雕塑，从服饰到装扮，从表情到姿态，处处体现着高登齐奥的虔诚之心，以及对生活细致入微的洞察力。

▲画家：达芬奇

达芬奇总结出一句对西方绘画影响深远的名言——绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。

那一时期的素描作品有很明显的浮雕感以及空间感，这种在二维平面上对三维空间的把握，是雕塑效果的来源。

▲画家：拉斐尔

▲画家：米开朗基罗

19世纪后期：

19世纪初法国大革命，法国绘画逐渐进入学院派时代。我们印象中的19世纪法国素描——安格尔的唯美，大卫的典雅，德拉克罗瓦的力量，库尔贝米勒的质朴，印象派的灵动，修拉的魔幻........他们似乎个个天赋异禀，个性鲜明。

▲画家：库尔贝

其实在那个时代，大部分学习绘画的人都要经历一个漫长的学院派训练，学院派素描成了当时素描教学的主流。上述天才大多是在这个共性基础上，逐渐显漏锋芒，发挥天赋个性的。尤其在19世纪下半叶，学院派鼎盛时期，每一个学习绘画的人，想要出人头地，难免不参与美术学院教授们和其工作室指定的素描训练课程，为将来进入沙龙荣获各项大奖做准备。

▲画家：塞尚

▲画家：梵高

中国素描的开启时期：

20世纪三四十年代，面对日益加剧的民族危机，一批革命现实主义画家采用以素描为基础的写实主义创作手法记录时代风云，开辟了中国艺术发展的新境界。新中国成立后，艺术家们积极践行“双百”方针，坚持“二为”方向，借鉴苏联现实主义艺术风格，创作了大量表现社会主义强国理想的优秀写实主义美术作品，素描艺术与中国传统美术的结合更加紧密，中国素描作品中的民族特色日益凸显。

当时，素描强调在比例、造型、空间、调子等方面，作为整体的基础造型教育。

▲画家：徐悲鸿

▲画家：吴作人

▲画家：李斛

▲画家：靳尚谊

素描是一种思考，一种观念

在西方艺术中，素描最初是服务于创作的草稿。欧洲拥有多样的素描画风，从古典到现当代、从具象到抽象、从素描概念到造型观念，开能帮助学生阔了眼界、充实了技法。

但随着艺术的演变和发展，西方人渐渐也把素描作为独立的艺术形式展示出来，使它具有了独立性。这是艺术发展的规律使然。

形体是静物的基础，如果形体不准确，那么画再多也没意义。静物本身的形体非常准确，这是一幅优秀作品的基础，也是最重要的知识点。

▲画家：靳尚谊

素描是一种素养

今天的生活在变，文化的环境在变，我们周围的一切都在变。不变的恰恰是素描的本质，它不但忠实于自己的真情实感，常常还需要我们把看到的、经验到的强化出来，并以个性的名义表现出来。

素描是具象性绘画艺术无法回避的话题，素描不是一个孤立的词语，提及素描就会想到造型。而素描造型的定义从来就不是一个固定不变的概念，一切对绘画作品存在与发展规律的描述都适用于定义素描造型。

除了形体之外，质感可以让静物本身更加精彩，不锈钢、玻璃、木头、衬布等等不同的静物，都可以让画面充满亮点，而对于这些静物来说，一定要把质感表达到位，不能都画得一样，要做到这些就要自己观察静物，从绘画手法、排线方式、黑白层次等方面入手，尽量接近真实的表达才能让画面更精彩。

▲画家：陈丹青

素描不能一蹴而就

素描的过程就是不断研习造型的过程，它不仅是一份态度、一份思考、一份修养，还是一种智慧、一份快乐。

光线对静物的影响非常多，不同角度的光线会让明暗交界线的位置发生变化，从而导致画面黑白灰层次的增多或减少，不同光线下相同的静物也有不同的画法，一副作品有光感和没有光感也会有完全不同的观感，画面中的光线一定要统一光源，如果想画强光，那么亮灰面就要少画，暗部就要画得更重。

把自己在生活中看到的鲜活的东西与感受到的跳动的情绪记录下来。要使自己做的更优秀就要善于运用自己训练有速的、独到的观察能力，使自己的素描与生活观察相联系。

素描是持之以恒的事情，是一种艺术表达的重要形式。人们借单纯的语言组成画面，叙述思想，寄托情感，这就是素描的精神指向。

大师素描作品欣赏