著名画家杨林：对景创作中的意象、意匠和意境

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著名画家杨林：对景创作中的意象、意匠和意境                  2023-10-23 08:51                                            

发布于：北京市
   
图文/杨林

我们常用一幅作品有没有意境，来确定其优劣，可见，意境对一幅中国画作品的重要性，意境的创造也是中国画的灵魂。什么是意境，词典中给出的解释是，通过描绘形象，表现出来的境界和情调。比如说小桥流水人家，是一种意境，荒寒远淡是一种意境，大漠孤烟又是另外一种意境。

中国画的意境具体表现有三种，第一种就是画中有诗，诗中有画，也就是像诗意一般含蓄，有诗意经常比喻的诗情画意。第二种是虚实相生，形神兼备，中国画不能画的太实太直白，要虚中有实，实中有虚，更要形神兼备。第三种源于自然，而又高于自然，中国画不是照相机，是凝聚艺术家情感的，富有笔墨技巧的艺术再创造。
绘画作品的意境，首先要有一种打动人的氛围感，使观赏者很容易，被艺术家所创作的作品气氛所感染感动，绘画作品中我们追求意境，就是追求一种情景交融的艺术境界。
这也是艺术的魅力所在，说明意境创造的重要性，每一幅绘画作品因为表现内容不同，技法不同，艺术家的情感不同等等，都会产生不同的意境，好的中国画作品，因为技法高超，才能营造出独特的笔墨意境，如倪元林笔墨的荒寒远淡，八大山人的冷傲孤寂，渐江的清奇瘦劲等，都为他们作品的意境表达，提供了独特坚实的笔墨语言。

意匠、意象更多的表述是技术层面的，而意境，却已经上升到艺术的高度，是要长期的勤学苦练，艺术积累，达到一定的修养，才有可能得到。
意境是艺术化的境界，比现实更吸引人，具备理想的高度，是艺术创作者通过对自然的加工，完成的一幅精美艺术品，好的艺术创作作品，能把观者从画外引入画内，再从画内引到画外，启发了人们无穷的回味。
如王希梦的《千里江山图》，范宽的《雪景寒林图》等，就是通过艺术家的艺术创造，引发我们无穷的遐想，抒发隽永的通思，让我们在画家创造的，恒久的艺术作品意境中迷不知返。

古人的卧游山水间，就是在艺术家创造的山水意境中遐想畅游。这种畅游有别于在真山真水之中的旅游，是传统的中国文人雅士倡导的读画过程。这也是为什么传统的中国山水画，广受大众欢迎的重要的原因之一。
对于自然的真山真水，与画中山水究竟谁之高下，明董其昌提出 “以境之奇怪论，则画不如山水，以笔墨之精妙论，则山水决不如画” 的观点。他强调画家创作要追求畅神写意的原则，也就是说绘画之所以有它的价值存在，因为它比自然山水更富有人的精神内涵。
通过意匠创造了意境，而中国画的意境并不是完全真实自然的意境，是艺术家运用意象造型的理念所创造的，同时因为精彩的笔墨表现而更有意义，而要具有这样的意义，离不开艺术家的匠心独运即意匠。

我们在写生与对景创作中对意境的追求，就是追求一种情景交融的艺术境界。没有景，情感就不能从主体转为客体表现，景物是有形的，情感是无形的，以情入景，就能以神求形，以形写神。
艺术家在自然面前绝对不能麻木不仁，艺术家是要有丰富的情感，才能创作出富有情感的艺术作品，才有创造意境的基础，这也表明中国绘画中创造意境的方法，要通过意象的造型，选择组合自然物象，创造并超出自然的，虚实结合的画面空间，增加画面的意境，使得意境更为深远广博。
如我们到太行山写生，太行山的雄浑壮阔，带给我们是苍茫厚重的自然物象与情感，创作作品的意境一定要与之相呼应，而皖南的山水草木茂盛，郁郁葱葱，白墙青瓦云雾飘缈，营造的自然是，小桥流水人家的意境等等，而这些景象的营造，正是因为中国画独有的意象营造手法而产生的。

意象的关键不是对景物进行匠气的铺陈、描摹，它不求完全再现，应该如相中色、水中月、镜中象，是象外之象、景外之景、韵外之致的无穷意境，是艺术家孜孜以求的最高层面的精神境界。我在对景创作张家塔的《厚土》这幅作品时，就有着深刻的感受。

对景创作这幅作品时正是五月，北方的春天来的比较晚，很多树木尚未发芽，现实场景也比较杂乱，也并没有十分突出的画眼，但是现场那种整体苍茫的境界，却十分的打动人，因此我在对景创作时，近景取身后的残垣断壁、老石碾和老枣树，中远景的窑居土山极具特色，苍茫厚重，自然的山路崎岖而有变化，穿插着枣树、杂树和民居窑洞，层次特别的丰富，是整个作品意境打造的核心部分。
我采用了高远式的传统中国画构图法，让土山层层叠加，使画面的中景和主景更加的丰富而有变化，根据画面的需要有所取舍与挪移，使原有的场景一下子变得丰满起来，为了表现出画面的苍茫氛围，我尽可能的用干苍的笔墨去刻画，同时一些细致的景物也没有舍弃，如电线杆这样具有时代印记的东西，我也刻画出来，体现出对景创作的鲜活性和时代性。
景物中的大山、枣树与枯草是干苍的笔墨意境，但同时已经发芽的许多大小杂树，郁郁葱葱与干苍的笔墨形态形成对比，苍润中让人感受到春天的到来，生命的轮回，大山厚土又将迎来勃勃生机，作品完成后并没有着色，因为墨色的效果，已经表现出了黄土高原那种大山厚土的意境，所以点到为止不再着色，这幅作品的创作，使我体会到，掌握好中国画的意象与意匠，对一幅作品能否取得好的意境十分重要。

李可染对中国画的意境十分重视，他曾强调：“意境是艺术的灵魂。是客观事物精粹部分的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工达到情景交融；借景抒情，从而表现出来的艺术境界、诗的境界，就叫做意境。意境，既是客观事物精粹部分的集中反映，又是作者自己感情的化身，一笔一画既是客观形象的表现，又是自己感情的抒发”，“意境是山水画的灵魂。没有意境或者意境不鲜明，绝对创作不出引人入胜的山水画”，可见，李可染对画面意境营造的重视。
一般来讲，中国画画家通过三种方法营造意境，分别是构图法，留白法和笔墨韵味。无论运用哪种方法，都是要体现画家的文化修养和审美情趣。中国古代对于作品意境重要性的描述很多，早年曾看到过一个，介绍中国宋代画院考试的故事，比较好的说明了中国画关于意境的问题。
宋代画院考试出过一个题目“深山藏古寺”，大部分的画家，在画面中画的是大山密林，在深山密林的深处，隐约可见一座寺庙，这样的表现很切合主题，但过于直白不含蓄，没有意境，即使笔墨技法再高超，也很难打动人。
却有一个画家画了一个云雾飘渺的山涧，山涧下有一个和尚在挑水，画面构图简洁，很好地运用了中国画的技法，大面积留白，给观者留下了极大的想象空间，作品的意境就一下子出来了，可谓匠心独运，是富有创意的佳作。
齐白石的“蛙声十里出山泉”，是画给老舍先生的一幅写意中国画作品，画面并不见青蛙，绘画更不可闻蛙声，数笔浓重而富有变化的墨块，表现出极具意象造型的山石，几只黑色墨点的小蝌蚪，被用白描线法勾勒的山泉水冲泻而下，像是雨后山涧，激流比较大富有动感，黑白对比强烈，活泼欢快形象生动，很好的点明了主题，意象与意匠的完美结合，创造了这幅意境悠远的名作。

齐白石的这幅作品既展现了他高超的笔墨技法，也体现了他师法自然的匠心，而这些都是大自然带给他创作的灵感。他的学生李可染说：“师造化就是要把对象、把生活看做是你最好的老师，古人画画的笔法、墨法等等无一不来源于客观世界，要把客观世界看成是第一老师”。
只有行万里路，在自然中找到了自我，找到了与山水对话的独有方式”，才能创作出丰富的，具有意境的作品。“自然的美，有时候虽然很美，但是和艺术创造的意境美是完全不同的，艺术家只有带着对自然的敬畏，对山水做到真正的融情，才能走出单纯自然“美景”的束缚，创造出富有诗意的画面意境”，“从无我之境进入有我之境”。
一幅富有意境的作品，是离不开意匠的，意匠是加工手段，从初步设计到剪裁组织，包括布局安排，笔墨效果等，也都要经营周密的谋划，意匠高的作品，人们称“匠心独运”。意匠包括，剪裁、夸张、组织、及笔墨等，意匠的高低，体现出画家水平的高低，没有高超的意匠，你就只是一个照相机，生活是艺术的源泉是沙子，艺术是金子。
现在的很多中国画创作，把造型的准确看得很重，准确只是造型方法的一种，何况中国画还不以塑造物象的准确为目的，而是“以形写神”为最高境界，因为对自然真实的追求，就是过于准确的接近自然，艺术创造的意境，就被大大的限制住了，“不准确”的造型，并不代表没有物象的基本特征，而是要形神兼备。
因此只做到准确是不够的，在准的基础上要有意匠，古人云“意匠惨淡经营中”可见意匠的重要性，正如杜甫说的，“语不惊人死不休”，要想做到语不惊人，必须经过高度的意匠加工，惨淡经营，洗练形象思维，方可取得作品的意境和神韵，这个过程是需要艺术家，经过长期而刻苦的努力，才有可能取得，意象、意匠和意境永远是中国画密不可分的整体。

后记：近年来，山水画写生与对景创作，已经成为当代中国山水画家，追求艺术创新与发展的一个重要方向，作为中国山水画创作的新课题，在教学与艺术创作实践中都取得了很好的艺术成果，形成了一些较为完整的创作思路与研究发展方向，同时还有很多的问题需要我们长期的发掘、深入探讨研究。
“零界点朱零山水画研究会”，十多年来一直是对景创作的努力探索者与实践者，取得了很多切实有效的教学成果，在自然中发掘传统的时代价值与意义，让传统在自然中得到验证并重新激活，使传统文脉在此得到延展。在此，我们一起分享他们的一些教学经验与优秀作品。如图

作为一个优秀的对景创作团队，在朱零老师身体力行的带领下，从祖国新疆的天山南北，到黄山、太行、崂山等名山大川，再到黄土高原，江南古镇，每年进行了大量的写生创作活动，取得了卓有成效的教学成果。
他们在教学过程中强调传统文化学习的重要性，并在此基础上，对传统笔墨及形式的审美共性，进行分解式学习和训练，让学员清晰明了，由浅入深的认识传统中国画的笔墨意义，从而使学员对传统笔墨语言及形式有了深入的理解，可以更加直接的转换到自己的写生或对景创作中。

具体的写生与对景创作的过程是，1. 传统与自然的关联，2. 传统审美共性的梳理和分析，3. 自然物象的取舍，4. 对景写生示范，5. 笔墨与形象的关系，6. 物象与心象之间的语言提炼与表现，7. 传统笔墨训练和经典作品临摹，8. 对优秀的中国画创作与写生技法进行详尽讲解，9. 在写生创作的过程中，每天坚持对学生作业的点评等等，取得了很多卓有成效的成果，作为这个团队中的一员，我也深感喜悦，相信通过大家的共同努力，中国画的对景创作之路，体系会更加完备，结出更加丰硕的成果，助推中国画的发展与进步。

随着照像与Al人工智能及电脑技术的发展，各种各样的科技手段，相继运用到中国书画的创作之中，不可否认的是，这些虽然对中国画的发展起到了一定的引导作用，但是这种远离生活，脱离自然的创作方法，还是会被一些急功近利的人所利用。
在没有长期刻苦的学习，掌握中国画技法的基础上，利用电脑拼接、变换、打印等方法出图，再根据图片描摹作品，有的甚至是直接拷贝，这样的艺术创作肯定是没有前途的，虽然在短期内获得了一些纸面上的收益，并且这样制作出来的作品，有些已经和照片技术非常接近，甚至在细节的表现上有过之而无不及，一幅作品画上几个月，甚至更长时间，靠着完完全全的磨工夫，去磨出一幅作品，当下在中国艺术界，靠描摹照片也能成“画家、大腕”的人不在少数。
他们是靠相机、电脑而不是靠眼睛与画笔去观察物象写生自然，完全背离了中国画艺术的发展与创作方向，一个展览看下来像一个人画的，没有个性绘画语言，作品格调品味低下。不具备创造性，更不具备深刻的思想性。这样的作品即使是再宏大复杂，在历史的沉淀下只能是垃圾文化。
近年来的主管部门已经认识了这个问题的严重性，很多关键性的大型展览已经开始重视写意中国画的作品，写意性中国画的对景创作，就是能很好的改变这一创作现状的创作方法。

最近我们欣喜地看到，人民美术出版社的一则征稿启事是这样写的，“写意是中国美术最本质的精神。从艺术本身的角度来讲，艺术家精神就是写意精神。就整个艺术创作的逻辑来说，从艺术家直接面对事物的观察能力、感悟能力到抽象、提炼能力和艺术家自身的修养积淀，最后到表现能力，这就是写意的过程……重点推选一批具有时代和现实意义的写意性作品，热情讴歌新时代，以现实题材创作和中国写意美术的最新成果推动“中国式现代化”美术创作繁荣发展，自信讲述真实、立体、全面的中国，展现艺术家精神……”。这已经为我们中国画今后如何发展指明了方向。
现实中大部分的中国画家还是认识到，写意精神，笔墨意趣是中国画发展的硬道理，他们都在努力，并致力于写意性中国画的发展，加入到对景创作的队伍中，向刀郎老师学习，扎根在传统文化的沃土中，吸收西方文化中有利于中国画发展的营养，推动全球化文化艺术进程的深化，在世界范围内确立中国画的自我文化身份与价值，展现出中国文化艺术对世界文化和现代生活的积极意义。
最后我以石涛为例，石涛是我非常喜欢的画家，他倡导画家到大自然中去吸收创作灵感，作品有强烈的个性，富于变化，敢于创新，而不是一味仿古，他的一幅《搜尽奇峰打草稿》作品，身体力行的向我们展示了他写生自然的真切体验，画中的奇峰怪石，古木飞瀑，都是他北游时所见之景。
他说“我之为我，自有我在，古之须眉不能生我之面目，古之肺腑不能入我之腹肠，我自发我之肺腑，揭我之须眉。” 这幅画水墨淋漓、苔点繁密，气势磅礴，就像卷后潘季彤在题跋中所评价，“一开卷如宝剑出鞘，令观者为心惊魄动”，完全打破了被四王所统治的清代画坛，这种精神值得我们今天每一个画家去学习。
感叹这快速发展的时代，此文仅将近年来写生与对景创作之余的一些随想与随感，收集整理出来，本想简单的谈一谈聊一聊，可是随着写作的深入想法越来越多，也越写越杂，限于能力有限，多为个人一孔之见，意为抛砖引玉，让更多的人，投入到中国画的对景创作之中，在此如有雷同，说明大家的观点与认识一致，与同道们共同交流学习。
（全文完，本文共有十个章节，分十二篇发表，此为第十章，第十二篇）
杨林于鸠兹， 2023年9月
杨林作品：

杨林，中国美术家协会会员，安徽工程大学副教授，安徽黄岳画院院长、徽州碑林艺术馆馆长，零界点：朱零山水画研究会副会长。曾获全国首届扬州八怪杯书画大奖赛一等奖，尚意2017全国美展最高奖（中国美协）、2018中国福州海上丝绸之路中国画展最高奖（中国美协）、入选2017泾上丹青全国美展（中国美协）、入选2018山水砚都多彩肇庆全国美展（中国美协）、2019年弄潮杯全国中国画大赛优秀奖（西冷印社主办）、2019首届吴昌硕国际艺术大奖赛二等奖（西冷印社主办）、2020"中国美术世界行"成果汇报展最高奖（中国美协）、建国70周年安徽省美术大赛优秀奖（安徽省美协主办）、2017年安徽省美术大赛最高奖第四届"弄潮杯"钱塘江金石竹木拓片展二等奖（西冷印社）等。